¿Quiero hacer un comic book? ¿No sé por donde empezar? tranquilo/a, con esta guía aprenderás todo lo necesario para desarrollar tu primer comic o novela gráfica, iniciando desde lo teórico y luego a lo práctico.
¿Porqué teoría? Llegara el punto en que al desarrollar tu primer comic book te sientas estancado y perdido, redibujaras páginas, mezclaras estilos y formatos, perderás la idea y el lenguaje inicial, etc. es por ello, que si investigas un poco y conoces lo suficiente de este arte, sabrás ubicarte en el espacio y tiempo, mantener un ritmo y completar tu primer comic.
Todo lo que aquí te presento está detallado y resumido en lo posible, esta es apenas la primer parte de esta Master Guía de Cartoon Comic.
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Es un medio visual de narración verbo-icónica que comunica historias de uno o varios personajes. Se trata de una “narración secuencial mediante imágenes fijas” es decir, mediante una sucesión de imágenes (compuestas por caricaturas e ilustraciones) las cuales se contienen en Viñetas (elemento base del comic) y que se complementan además con textos.
El comic es un producto cultural que busca persuadir a grandes públicos a través de códigos propios. Es además un producto sociolingüístico, un sistema semiótico, que tiene una denotación (habla e imagen) y una connotación, en pocas palabras… tiene su propio lenguaje.
La palabra cómic deriva de la expresión inglesa comic strip. Traducida al español significa literalmente “tira cómica”, también llamada técnicamente funnies, derivada de la palabra funny, divertido o cómico.
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Se considera a Thomas Rowlandson el inventor del cómic en el año 1809. Rowlandson publica “Los viajes del doctor Syntax”, tal vez el primer cómic o aventura seriada de la historia en tener resonancia, y en esa época hacen su aparición los bocadillos parlantes.
La primera novela gráfica se publica en Suiza. Inspirado en Rowlandson y animado por Goethe, el suizo Rudolph Töpfer publica en 1837 “Las aventuras de Obadiah Oldbuck”, un libro de 40 páginas con varios dibujos en cada página y los textos al pie de los mismos.
Le sigue el poeta y artista alemán Wilhelm Bush, que en 1859 publica las primeras Tiras Cómicas (caricaturas) en un periódico, el Fliegende Blátter, y una famosa historieta titulada Max y Moritz. En 1867 aparece Ally Sloper, el primer personaje de historieta inglés, creado por Charles Ross.
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El primer cómic moderno publicado en el mundo, fue The Yellow Kid (El chico amarillo), el 16 de febrero de 1896 en el diario The World de Nueva York. La razón es que fue entonces cuando se empezó a usar la expresión “cómic” para definir la historieta grafica en sí, a como la conocemos hoy en día, además del uso de los bocadillos de texto.
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Ya sea que vengan insertas en el periódico o dentro de revistas, son una tira de tres o más viñetas en las cuales se representa una narración breve, a menudo semejante al chiste, al gag o, también, a la narración por entregas, típica del siglo XIX.
Historias de corta duración
En la actualidad este formato ha resurgido con la aparición ilustraciones digitales en redes sociales que narran historias cortas con el uso o no de bocadillos.
O Comic Books, son impresas en papel de mayor o menor calidad, pero por lo general a todo color, con acabado profesional y en tirajes en masa, se trata de las clásicas revistas de lectura por viñetas.
De 12 a 24 páginas
Esta es una categoría amplia, en donde encajan las propuestas artísticas más formales, cultas y exigentes, a menudo para un público bien informado, y dispuesto a interpretarlas tal y como se hace con una obra de arte escrita o ilustrada. Son muy extensas, por lo que suelen presentarse con portadas duras, y papel de alta calidad y gramaje.
Más de 24 páginas
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Historieta digitales o cómic digitales es como se conoce a las historietas en formato digital, para ser visualizado en los PC o cualquier dispositivo que posea una pantalla, también se encuentran los webcomics, disponibles para ser leídos en Internet.
Más de 24 páginas
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Cada comic tiene una visión y una estética según el contexto donde se ha creado, la sociedad y vivencias que lo rodean le alimentan para convertirse en un elemento más de la cotidianidad que puede ser analizado y comprendido; así se han desarrollado algunos estilos reconocidos alrededor de los años, estos son:
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El comic estadounidense está más ligado a la estética que viene desde la Grecia antigua, cuerpos esculturales, atléticos. Su estética es un poco más densa que en el manga japonés, con líneas duras y un gusto por el detalle en cada una de sus viñetas, se usan las proporciones heroicas para darle más realce a los personajes.
En una primera época los personajes eran un poco planos y sus historias se centraban en la lucha entre buenos y malos, pero después de los años 60 y con la contracultura de la época, se ven personajes más desarrollados psicológicamente, con problemas, traumas y situaciones que llevaron a la creación de los anti-héroes, lo cual no significaba que fueran villanos, sino personajes que peleaban contra la maldad, pero también peleando contra sus emociones, pensamientos y situaciones, lo cual los hace mucho más interesantes.
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El comic europeo tiene una estética muy parecida al comic estadounidense, sus bases estéticas también se encuentran en la antigua Grecia y los modelos anatómicos perfectos, su diferencia con el comic americano está en el trasfondo de sus historias, siendo estas de un gusto más literario y filosófico, y en muchas ocasiones llevando el contexto urbano a las viñetas. Sus historias algunas veces tienden a ser más oscuras y terrenales, sin dejar de lado las historias de acción y suspenso entre personajes.
Normalmente suelen estar encuadernados en tomos de tapa dura de entre 42 y 50 páginas. Presentan un nivel de detalle alto en el dibujo. Pese a que las historietas conforman una serie, los álbumes tienden a poder leerse de manera independiente.
Ofrecen historias con guiones muy trabajados, incluso aunque se trate de aventuras cómicas ligeras o con tenido infantil. Gusto, por lo general, más literario y filosófico.
¿El cómic europeo es exclusivo del marco franco-belga? No, hay fronteras muy difusas y autores europeos que han trabajado fusionando estilos, incluso incorporando elementos del comic americano y japonés.
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El comic japonés se ha convertido en un ‘boom’ estético debido a su gran relación con la historia del arte japonés. La historia del manga viene desde tiempos antiguos, en el siglo XIX un artista y grabador llamado Hokusai, acuño la palabra manga para las narraciones que se encontraban en el arte nipón.
El manga japonés sigue pautas muy definidas: líneas sencillas y rápidas que dan una idea sin necesidad de extenderse en los detalles, respeto en las composiciones del vacío para que la composición respire, el gusto por las texturas, la mayoría en solo blanco y negro, etc. En Japón el manga se ha convertido en un fenómeno social en el cual encontramos categorías para todo tipo de sector poblacional, así tenemos manga para niños, manga para adolescentes, adultos, mujeres, etc.
El Manga se lee diferente
La Regla T: “Si dos viñetas tienen la misma altura se lee horizontalmente. Si tienen la misma anchura se lee verticalmente.”
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Saludos especiales, y GRACIAS por incluir mis Apuntes de Diseño en sus campus virtuales.
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